新京报
阿利克桑德拉
2025-08-12 23:09:51
BGM的诞生并非突如其来，而是通过对镜头的逐帧解读与情感变量的实时测试，渐次成形。制作人们先在录音棚内搭建一个虚拟声域，把自然环境的声音映射为音乐的基础材料。低音区的长音像风的呼吸，像主角胸腔里那股难以言说的孤独；中音区的弦乐与木管构成对话的脉络，仿佛在风口处与内心自我对话；高频的铙钹、细小的打击乐则如砂粒穿过耳膜的微光，为画面注入紧张的跳动。
每一个乐句都和画面节拍绑定，远处的狼嚎、马蹄声在剪辑的瞬间被凝固成短促的节拍，然后缓慢展开成延展的旋律，让观众在看似无边的荒野中感到某种温度的回升。为了避免音乐与影像之间的距离感，音效设计师在关键镜头前后以“轻触式混合”处理，确保声音像呼吸一样自然地进入画面。
甚至有一场夜幕降临的露天场景，导演让灯光慢慢熄灭，音乐却逐步放大，形成一个反向的光影对比：光线退去，声音却在夜色中变得丰盈，这种矛盾正是这部电影想要传达的自由与代价的双重悖论。
在具体场景中，音乐的职责是“暗示而非喋喋不休”：当镜头拉出主角的背影，配乐以低沉的弦乐铺垫一个空旷的时刻；当角色面对暴风、沙尘与饥渴，木管的尖细声部上扬，像是心跳被放大。马蹄声的录制融合了现场的真实律动，制作组用多层次的打击乐把“奔跑”从视觉上扩展到时间的深处，让观众的呼吸与画面的节拍同频。
幕后团队还有一个小故事。最初的版本偏向抽象的声景，导演希望加入“人物记忆”的线索；于是将一段远方儿童歌谣的片段以柔性配器嵌入，成为主角记忆的回响。这样的处理让音乐不仅是背景，更像一个隐形的叙事线，牵引观众穿过荒野去触及人物的根源。最后的混音版本在不同频段上实行细密的层次分离：低音区保持缓慢、厚重的呼吸感；中音区维系人物关系的稳健距离；高频则在关键时刻提供一线生机。
整部电影的音乐不喧嚣，却像风，它把荒野的宽广、孤独与希望揉合在一起，形成一种可以被观众记住并回味的“声音记忆”。
【二、小说扩写：声景驱动的世界扩张】电影的情绪与镜头语言为小说提供了一个清晰的骨架，作者不再让画面局限于镜头的框内，而是将BGM中的声景作为故事推进的隐性力量。主角的内心独白被赋予了音乐记忆的标记：黄昏时分的长音像是他呼吸的延时，童年的轻快童谣通过短促的回声进入章节的记叙。
作者通过“声景叙事”的技法，让读者在阅读时似乎也能听到风声、草叶的摩擦、马蹄的呼应。为此，小说扩写增添了多条时间线与地理线索：荒野中的小村落、迁徙部族的传说、以及对马的信仰与禁忌——每一个线索都通过声音与光的描述来呈现，使世界更具层次感。
在音乐意境的解析层面，文本中把音乐的语汇变成可触可感的写作策略。低音群被多次用来烘托地平线的无限性，成为“时间的厚度”；中音群描述人物间关系的微小变化，像在对话之间添加的停顿与逗留，暗示彼此间未说出口的情感。高频的微响与触发音则代表环境的危险与希望；而节奏的对比则推动时间的流动：在漫长的荒野时光里，句法往往拉长，词语像慢慢展开的乐句；暴风来临时，句点变短，句群快速收束，给人一种窒息感却又不失希望的张力。
作者还特意设计章节标题以音乐术语呈现，例如“前奏”、“慢板”、“转调”与“尾声”，让读者在翻页的同时“听见”故事的推进。
此种跨媒介的叙事尝试带来一个有趣的副作用：当你没有听到原声时，文字仍旧能激发出听觉的共振。小说中的声景描述不再是单纯的装饰，而成为驱动情节、塑造角色命运的核心工具。读者在描写风的沙砥声、马蹄拍击地面的回响时，仿佛也在参与一场由音乐引导的内在演奏。
书与电影互为镜像，声景在两种媒介中不断被重塑、再现，形成一种跨媒介的情感共振。
这就是两种媒介的协同效应：你可以在纸上感知荒野的宽广，也能在屏幕前听到那条马蹄声的回响。若你愿意深入其中，或许还能在自己的听觉中重新编排这部作品的“乐谱”，在心里演绎出属于自己的电影原声。
