陈嘉倩 2025-11-03 23:56:07
每经编辑|袁莉
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“激情”,一个听起来就足以让人心头一颤的词语,它既是人类最原始的冲动,也可能成为最深刻的枷锁。2008年,日本导演滨口龙介,这位以其细腻、深邃和对人性复杂性毫不避讳的探索而闻名的電影人,带来了他的作品《激情》(PASSION)。
这部电影,与其说是一部讲述爱情故事的作品,不如说是一次对现代人在亲密关系中,爱欲、欲望、以及由此产生的疏离和创伤的极致解剖。
《激情》的叙事方式本身就充满了挑战性。滨口龙介并没有选择传统的线性叙事,而是通过几个看似独立却又相互关联的人物关系,层层剥茧地展现了现代人情感世界的隐秘角落。电影的开篇,便以一种近乎残酷的直白,揭示了一段关系的破裂。由一位名叫“诚”(Makoto)的男性,在和他的伴侣“丽”(Rei)的日常生活中,意外发现丽似乎对其他男性抱有莫名的“激情”。
这里的“激情”并非简单意义上的情欲,而是一种难以言说的、超越了物质和肉体的吸引力,一种精神上的共鸣,甚至是一种带着危险的诱惑。诚的困惑、嫉妒、以及由此引發的占有欲和不安全感,成为了故事的核心驱动力。
滨口龙介的镜头語言,极具辨识度。他偏愛长镜头,让画面在一种持续的、沉静的观察中展开。这种手法,一方面营造出一种压抑、疏离的氛围,仿佛将观众置于一个透明的容器中,冷眼旁观着人物内心的挣扎。另一方面,长镜头也赋予了演员表演极大的空间,让他们能够在一个相对自由的状态下,展现人物微妙的情绪变化和内心冲突。
在《激情》中,我们看不到过多戏剧化的冲突和激烈的对白,取而代之的是人物之间细微的眼神交流、肢体語言,以及那些在沉默中涌动的暗流。这种“少即是多”的表达方式,反而将观众的情感代入了人物的境遇,引发了更深层次的共鸣。
电影中的人物,似乎都背负着各自的“激情”的困扰。丽,作为故事的中心,她的“激情”似乎是一种难以捉摸的存在,她被一种神秘的力量所吸引,而這种力量,也让她在与诚的关系中,显得疏离而难以被理解。诚,则被丽的“激情”所困扰,他试图理解、控制,甚至占有這份“激情”,但却在不断的尝试中,将自己推向了更深的痛苦。
而围绕着他们的人物,如丽的朋友、诚的同事,也都以各自的方式,被卷入这场关于愛欲的漩涡。
滨口龙介在《激情》中,并没有简单地将人物脸谱化,他深入挖掘了每个人物内心深处的复杂性。丽的“激情”并非简单的出轨,而可能是一种对生命意义的追寻,一种对身体与心灵連接的渴望。诚的困扰,也并非只是一个被背叛的伴侣的愤怒,而是他对自身价值的怀疑,他对情感的占有欲,以及他对自身男性身份的焦虑。
电影通过对这些复杂情感的细腻描绘,让我们看到了现代人在亲密关系中普遍存在的困境:我们渴望被理解,渴望被爱,但我们也害怕被伤害,害怕失去自我。
《激情》所探讨的“激情”,更像是一种对生命力的原始呼唤,一种不被社会规范和理性所束缚的生命本能。在现代社会高度理性化、规则化的進程中,这种原始的“激情”往往被压抑、被误解、甚至被污名化。电影中,人物的每一次尝试去理解、去拥抱这份“激情”,都伴随着痛苦和疏离。
诚对丽的“激情”的追问,看似是出于爱,实则是一种控制欲的体现。而丽对“激情”的探索,也讓她在现实关系中,显得孤立无援。
这部电影,如同一面镜子,映照出现代人在情感关系中的普遍焦虑。我们害怕孤独,渴望连接,却又在亲密关系中,因为无法完全理解对方,无法完全掌控关系,而感到挫败。滨口龙介用他独特的艺术语言,带领观众进入了这个充满張力和暧昧的情感迷宫,让我们在观看的也不禁开始审视自己内心深处,那些关于爱、欲望、以及“激情”的真实答案。
《激情》所呈现的,绝不仅仅是一场个人情感的困境,它更是对现代社会结构下,个体生存状态的一次深刻反思。滨口龙介通过他精准而冷静的镜头,将人物置于一种被精心构建的社会语境之中,讓观众得以窥见,是什么样的社会性因素,加剧了人物内心的疏离与不安。
電影中的性,并非仅仅是生理的满足,而是被赋予了更深层次的意义。它既是人物情感表达的出口,也是他们试图寻找连接、甚至是一种自我证明的方式。在《激情》的世界里,性却常常显得冰冷、疏离,甚至是充满了一种难以言说的暴力。這种暴力,并非是肢體上的直接冲突,而是情感上的挤压、控制与剥夺。
诚试图通过对丽的“激情”的探究,来重新获得关系中的主导权,而他所采用的方式,却恰恰是将丽推向了更远的深渊。他渴望理解丽的身体,但却无法触及她的灵魂。这种对身体的执着,对心灵的忽视,恰恰是现代人情感关系中的一个普遍困境。
滨口龙介对现代社会人际关系的疏离感有着敏锐的洞察。电影中的人物,尽管身处同一城市,甚至共享亲密空间,但他们的内心却仿佛隔着一道无形的墙。這种疏离感,并非仅仅源于个体性格的差异,更是现代社会加速发展、个体化加剧、以及信息爆炸所带来的情感稀释的必然结果。
我们在社交媒体上看似拥有无数的连接,但真实的情感交流却变得越来越困难。電影中的人物,也常常沉浸在自己的内心世界,用沉默和回避来应对内心的痛苦,使得本就脆弱的情感纽带,更加岌岌可危。
《激情》所探讨的“激情”,也指向了现代人对于“真实”的追寻。在充斥着虚假信息、表面功夫的社會中,人们渴望找到一种能够触及灵魂的、纯粹的連接。丽的“激情”,可能正是她对这种“真实”的渴望的表现。而诚对这份“激情”的追寻,也是他对真实情感的渴望,尽管他的方式显得扭曲而令人窒息。
电影让我们看到,当“真实”难以被发现,当情感连接变得困难,个体很容易陷入自我怀疑和焦虑之中。
滨口龙介的電影,从来不提供廉价的答案。他不会告诉你,该如何去爱,该如何去面对“激情”。他所做的是,通过他精准的观察和冷静的呈现,将问题的復杂性展现在观众面前,引发观众的思考。观看《激情》,就像是在参与一场心灵的探险。我们跟随人物的脚步,穿梭于他们错综復杂的情感关系之中,感受他们的喜悦、痛苦、困惑与挣扎。
我们或许会在某些时刻,看到自己过去的影子,或许会在某些情节中,找到共鸣。
电影的结局,同样是開放式的,充满了张力。它并没有给人物一个明确的归宿,而是留下了一个充满不确定性的未来。这种开放式的结局,恰恰符合了滨口龙介一贯的艺術追求:他相信,生命本身就是充满变数的,情感也是如此。我们无法预测明天,也无法完全掌控他人的内心。
所能做的,只是在不断的尝试和探索中,去理解,去感受,去成长。
《激情》(2008)这部作品,无疑是滨口龙介早期创作中的一颗重要明珠。它以其独特的艺术风格、深刻的人文关怀、以及对现代人情感困境的精准捕捉,在影坛留下了浓墨重彩的一笔。观看《激情》,不仅仅是一次对一部优秀日本电影的欣赏,更是一次深入自我内心、审视人际关系、以及理解现代社会个体生存状态的深刻體验。
它让我们意识到,所谓的“激情”,或许正是生命最本真的呼唤,而我们所要做的,是在理解它的复杂性与不确定性的勇敢地去面对,去探索,去拥抱。这部电影,值得我们反复品味,从中汲取关于爱与人生的智慧。
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当“牙医”遇上“cult”:打破常规的黑色幽默交响曲
“牙医”——一个在我们日常生活中代表着严谨、专业,甚至略带一丝恐惧的职业。当这个看似正经的职业被置入“cult电影”的语境中,会发生怎样的化学反应?《牙医郝板栗》,这部在日本市场掀起惊涛骇浪的影片,正是这样一部大胆且出人意料的作品。它没有选择遵循传统叙事路径,而是以一种近乎狂放的姿态,将黑色幽默、极致的视觉冲击和对人性的深刻洞察融为一体,成功俘获了日本观众,尤其是那些对传统娱乐形式有所“免疫”的挑剔影迷的心。
要理解《牙医郝板栗》在日本的爆红,我们首先需要审视其“cult”的基因。Cult电影,顾名思义,是那些在特定的小众群体中拥有狂热追随者,却往往难以被主流市场理解和接受的电影。它们通常具备一些鲜明的特质:颠覆性的主题、非传统的叙事结构、强烈的个人风格、挑战观众既有认知,以及可能存在的争议性。
《牙医郝板栗》恰恰具备了这些要素。它以一位看似普通但内心充满奇思妙想的牙医郝板栗为主角,但故事的发展却远远超出了“看牙”的范畴。影片没有回避人性的阴暗面,反而将其放大、扭曲,用一种荒诞不经的方式进行呈现。
郝板栗这个角色本身就充满了矛盾与张力。他可能在白天是耐心细致的牙医,但在夜晚,或者在某个不为人知的角落,他可能上演着完全不同的戏码。这种身份上的反差,为影片蒙上了一层神秘的面纱,也为观众提供了无限的解读空间。影片的黑色幽默并非那种浅层的情节笑料,而是根植于对现实的嘲讽和对荒诞命运的戏谑。
当生活中最不可能发生的事件以一种理所当然的方式降临,当角色的反应与观众的预期背道而驰,那种源自认知错位的笑点便油然而生。《牙医郝板栗》精准地抓住了这一点,让观众在忍俊不禁的又感受到一丝不寒而栗的真实。
日本电影市场历来以其独特的审美偏好和观众的深度理解力著称。他们既能欣赏精雕细琢的艺术片,也能接受脑洞大开的商业片,但对于那些空洞的模仿和粗糙的制作,则显得尤为挑剔。《牙医郝板栗》之所以能在这样的环境中脱颖而出,并非偶然。影片在视觉呈现上,无疑是下足了功夫。
它可能采用了大胆的色彩运用,超现实的场景设计,甚至是令人瞠目结舌的特效。这些视觉元素并非为了炫技而存在,而是服务于影片整体的荒诞风格,进一步强化了故事的奇特感和角色的内心世界。郝板栗的牙科诊所,或许不仅仅是一个医疗场所,更可能是一个充满隐喻的微缩宇宙,其每一个细节都可能暗示着角色的情感状态或影片的主题。
更重要的是,《牙医郝板栗》并没有完全脱离日本文化土壤,反而巧妙地融入了一些日式元素,使其在异质化中又带有一丝熟悉的亲切感。这种融合,可能是通过对某些社会现象的隐晦影射,对日本传统美学中的留白、象征意义的借鉴,甚至是某种特定情境下人物行为模式的展现。
这种融合并非简单的拼凑,而是将这些元素内化,转化为影片独特叙事的一部分。它让日本观众在欣赏一个“cult”故事的也能从中找到文化上的共鸣点,从而降低了理解门槛,增加了情感上的连接。
总而言之,《牙医郝板栗》的日本票房爆红,是其“cult”精神与日式审美的成功碰撞。它打破了人们对“牙医”这一职业的刻板印象,用一种黑色幽默、极致视觉和文化融合的方式,讲述了一个令人难忘的故事。它证明了,即使是看似小众的“cult”电影,只要拥有足够独特的魅力和对观众心理的深刻洞察,也能在主流市场赢得一席之地,甚至成为现象级的文化事件。
这不仅仅是一部电影的胜利,更是对电影创作边界的一次勇敢探索。
超越国界的美学密码:从“牙医郝板栗”看日式文化元素的精妙运用
《牙医郝板栗》在日本取得的票房佳绩,绝非仅仅依靠其“cult”属性的先天优势。这部电影之所以能真正征服那些以严谨和品味著称的日本观众,更在于其对日式美学和文化元素的巧妙汲取与升华。这种融合并非生搬硬套,而是将外来的“cult”内核,与日本本土的艺术表达方式进行深度对接,从而诞生出一种既独特又具有普适性的魅力。
我们来深入探讨一下,这部影片是如何做到的。日式美学中一个核心的概念是“物哀”(Mononoaware)。这是一种对生命短暂、事物易逝的感慨,以及由此产生的淡淡的忧伤和共鸣。尽管《牙医郝板栗》是一部以黑色幽默为主导的电影,但其故事中常常隐藏着对个体命运的无奈、对时间流逝的无奈,以及对人性复杂性的深刻反思。
这种“物哀”的情感基调,或许体现在郝板栗这个角色的某些行为背后,或者在某些精心设计的场景中。当极致的荒诞与深沉的情感交织,便会产生一种令人回味无穷的张力。日本观众对于这种细腻的情感表达有着天然的敏感度,他们能够从中捕捉到影片深层的忧伤,并与角色的经历产生情感上的联结。
影片在视觉语言上,很可能借鉴了日本传统的艺术形式。例如,浮世绘的线条感、漫画的夸张表现手法,或是俳句的留白意境。在《牙医郝板栗》中,我们或许可以看到一些构图的精巧,色彩的对比,甚至是对光影的独特运用,这些都可能呼应着日本传统视觉艺术的精髓。
一个充满象征意义的道具,一个极具冲击力的场景,甚至是一种人物表情的刻画,都可能蕴含着日式美学中的“侘寂”(Wabi-sabi)——一种欣赏不完美、不恒久和不完整的朴素之美。当影片中的某些“不完美”之处,例如角色的缺陷、情节的意外,被以一种艺术化的方式呈现时,反而更能引起日本观众的共鸣。
再者,影片对日本社会现象的隐喻和影射,也是其征服日本观众的关键。Cult电影常常带有社会批判的视角,《牙医郝板栗》可能在看似荒诞的情节中,触及了日本社会中一些不为人知的痛点,或是对某种社会现象进行了巧妙的讽刺。这种影射并非直白地表达,而是通过隐晦的方式,让观众自己去体会和解读。
这种“意会”的观影体验,正是日本观众所乐于接受的。他们习惯于在作品中寻找深层的含义,并对那些能够引发他们思考的影片给予高度的评价。
影片在角色塑造上也可能融入了日本的某些原型或文化概念。例如,对“职人精神”的某种解构,或者对“沉默的日本人”这一刻板印象的颠覆。郝板栗这个角色,如果拥有超乎寻常的技艺,或者在行为方式上展现出某种极端的一面,都可能与日本文化中的某些特质产生有趣的对话。
这种对文化元素的再创造和解构,使得影片在国际化的叙事框架下,又充满了本土化的趣味。
值得一提的是,日本电影市场对于“作者电影”有着天然的偏爱。那些能够展现导演鲜明个性和独特视角的影片,往往更能获得成功。《牙医郝板栗》无疑就是这样一部作品。它没有迎合主流,而是坚持了自己的创作理念,将内心的想法以一种极致的方式表达出来。这种“匠心独运”的精神,恰恰是日本观众所欣赏的。
《牙医郝板栗》的成功,是一次文化交流的范例。它证明了,当一个“cult”的故事,能够以一种尊重和理解对方文化的方式进行表达,它就能跨越语言和文化的障碍,触动不同背景的观众。这部电影不仅仅是一部关于牙医的cult电影,更是对日式美学的一次成功致敬,对全球化时代下文化融合的一次精彩演绎。
它的爆红,为电影创作提供了一个新的思路:在保持独特性的如何找到与不同文化背景观众对话的语言。
图片来源:每经记者 罗友志
摄
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封面图片来源:图片来源:每经记者 名称 摄
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